Abstraktin taiteen alkuperä ja koulut

Abstrakti taide (joskus kutsutaan ei-objektiivinen taide) on maalaus tai veistos, joka ei kuvaa ihmistä, paikkaa tai esinettä luonnossa. Abstraktin taiteen kanssa työn aihe on se, mitä näet: väri, muodot, siveltimen iskut, koko, mittakaava ja joissain tapauksissa itse prosessi, kuten toimintamaalaus.

Abstraktitaiteilijat pyrkivät olemaan objektiivisia ja ei-edustavia, jolloin katsoja voi tulkita jokaisen teoksen merkityksen omalla tavallaan. Siksi abstrakti taide ei ole liioiteltua tai vääristynyttä maailmankuvaa, kuten näemme Paul Cézannen (1839–1906) kubistisissa maalauksissa ja Pablo Picasso (1881–1973), sillä he esittävät erään tyyppisen käsitteellisen realismin. Sen sijaan muodosta ja väristä tulee teoksen painopiste ja aihe.

Vaikka jotkut ihmiset voivat väittää, että abstrakti taide ei vaadi esitystaiteen teknisiä taitoja, toiset rukoilevat erilaisuutta. Siitä on todellakin tullut yksi tärkeimmistä modernin taiteen keskusteluista. Venäjän abstraktina taiteilijana Vasily Kandinsky (1866–1944) sanoi:

"Kaikista taiteista abstrakti maalaus on vaikein. Se vaatii, että osaat piirtää hyvin, että sinulla on korostunut herkkyys sävellykselle ja väreille ja että olet todellinen runoilija. Tämä viimeinen on välttämätöntä. "

Taidehistorioitsijat määrittelevät tyypillisesti 1900-luvun alun historiallinen hetki abstraktin taiteen historiassa. Tänä aikana taiteilijat pyrkivät luomaan mitä he määrittelivät "puhtaana taiteena": luovia teoksia, joita ei perusteltu visuaalisissa havaintoissa, vaan taiteilijan mielikuvituksessa. Tätä ajanjaksoa koskeviin vaikuttaviin teoksiin kuuluvat Kandinskyn 1911 "Kuva ympyrällä" ja "Caoutchouc", jonka ranskalainen avantgarde-taiteilija Francis Picabia (1879–1953) loi vuonna 1909.

Abstraktin taiteen juuret voidaan kuitenkin jäljittää paljon kauemmas. Taiteilijat, jotka liittyvät liikkeisiin kuten 1800-luvun Impressionismi ja ekspressionismi kokeilivat ajatusta, että maalaus voi vangita tunteita ja subjektiivisuutta. Sen ei tarvitse keskittyä vain näennäisesti objektiivisiin visuaalisiin havaintoihin. Vielä taaksepäin, monet muinaiset kalliomaalaukset, tekstiilikuviot ja keramiikkakuviot vangitsivat symbolisen todellisuuden sen sijaan, että yrittäisivät esittää esineitä sellaisina kuin näemme ne.

Kandinskya pidetään usein yhtenä vaikutusvaltaisimmista abstraktitaiteilijoista. Näkymä siitä, kuinka hänen tyylinsä edistyi esitystavasta puhtaaseen abstraktiin taiteisiin vuosien varrella, on kiehtova tarkastelu liikkeestä yleensä. Kandinsky itse oli taitava selittämään, kuinka abstrakti taiteilija voi käyttää väriä antamaan näennäisesti merkityksettömän työn tarkoituksen.

Kandinsky uskoi, että värit provosoivat tunteita. Punainen oli vilkas ja itsevarma; vihreä oli rauhallinen sisäisellä voimalla; sininen oli syvä ja yliluonnollinen; keltainen voi olla lämmin, jännittävä, häiritsevä tai täysin bonker; ja valkoinen näytti hiljaiselta, mutta täynnä mahdollisuuksia. Hän myös määritteli instrumenttiäänet jokaisen värin mukaan. Punainen kuulosti pasuunalta; vihreä kuulosti keskiasennossa viululta; vaaleansininen kuulostaa huilulta; tummansininen kuulosti sellolta, keltainen kuulosti pasuunan fanfaarilta; valkoinen kuulosti tauolla harmonisessa melodiassa.

Nämä ääni-analogiat syntyivät Kandinskyn arvostuksesta musiikille, etenkin nykyaikaisen Wienin säveltäjän Arnold Schoenbergin (1874–1951) teoksille. Kandinskyn otsikot viittaavat usein sävellyksen väreihin tai esimerkiksi musiikkiin, "Improvisaatio 28" ja "Sävellys II."

Ranskalainen taiteilija Robert Delaunay (1885–1941) kuului Kandinskyn Siniseen ratsastajaan (Die Blaue Reiter) ryhmä. Vaimonsa, Venäjällä syntyneen Sonia Delaunay-Turkin (1885–1979) kanssa, molemmat suostuivat abstraktioon omassa liikkeessään, Orfismi tai orfinen kubismi.

Nykyään "abstrakti taide" on usein kattotermi, joka kattaa laajan valikoiman tyylejä ja taideliikkeitä. Näihin kuuluvat ei-edustava taide, ei-objektiivinen taide, abstrakti ekspressionismi, taideinformaatio (eräs eleellinen taiteen muoto), ja jopa jotkut op taide (optinen taide, viitaten taidetta, joka käyttää optisia illuusioita). Abstrakti taide voi olla eleellistä, geometristä, sujuvaa tai figuratiivista - tarkoittaen asioita, jotka eivät ole visuaalisia, kuten tunne, ääni tai henkisyys.

Vaikka meillä on taipumus liittää abstrakti taide maalaukseen ja kuvanveistoon, se voi koskea mitä tahansa visuaalista mediaa, mukaan lukien kokoontuminen ja valokuvaus. Maalarit kuitenkin kiinnittävät eniten huomiota tässä liikkeessä. On monia merkittäviä taiteilijoita, jotka edustavat erilaisia ​​lähestymistapoja abstraktiin taiteeseen, ja heillä on ollut huomattava vaikutus nykytaiteeseen.

• Carlo Carrà (1881–1966) oli italialainen taidemaalari, joka tunnetaan parhaiten Futurism-teoksestaan, abstraktin taiteen muodosta, joka korosti 1900-luvun alun energiaa ja nopeasti muuttuvaa tekniikkaa. Uransa aikana hän työskennellyt kubismissa samoin, ja monet hänen maalauksistaan ​​olivat todellisuuden abstraktioita. Hänen manifestinsa "Äänten, melujen ja hajujen maalaus" (1913) vaikutti moniin abstraktiin taiteilijoihin. Se selittää hänen kiehtonsa synaesthesiasta, aistien ristikkäinnäytteestä, jossa esimerkiksi "haisee" väri, joka on monien abstraktien teosten ydin.
• Umberto Boccioni (1882–1916) oli toinen italialainen futuristi, joka keskittyi geometrisiin muotoihin ja jonka kubismi vaikutti voimakkaasti. Hänen teoksessaan kuvataan usein fyysistä liikettä, kuten nähdään "Mielen tilat" (1911). Tämä kolmen maalaussarjan aiheena on rautatieaseman liike ja tunne, ei matkustajien ja junien fyysinen kuvaus.
• Kazimir Malevich (1878–1935) oli venäläinen maalari, jota monet kuvaavat geometrisen abstraktin taiteen edelläkävijäksi. Yksi hänen tunnetuimmista teoksista on "Musta neliö" (1915). Se on yksinkertaistettu, mutta ehdottomasti kiehtova taidehistorioitsijoille, koska kuten Tate mainitsee analyysissä: "Se on ensimmäinen kerta, kun joku teki maalauksen, joka ei ollut jostakin."
• Jackson Pollock (1912–1956), amerikkalainen maalari, annetaan usein ihanteellisena esityksenä Abstrakti ekspressionismitai toimintamaalaus. Hänen työnsä on enemmän kuin tippaa ja roiskemaalaa maalauskankaalle, mutta on täysin eleellinen ja rytminen, ja siinä käytetään usein hyvin ei-perinteisiä tekniikoita. Esimerkiksi, "Koko kuolema viisi" (1947) on öljy kankaalle, joka on luotu osittain hihnoilla, kolikoilla, savukkeilla ja paljon muulla. Jotkut hänen työstään, kuten "Kahdeksan oli seitsemän" (1945) ovat valtavia, ulottuvat yli kahdeksan jalkaa.
• Mark Rothko (1903–1970) vei Malevichin geometriset abstraktit uudelle modernismin tasolle värimaalamaalauksella. Tämä amerikkalainen maalari nousi 1940-luvulla ja yksinkertaisti värejä yksinään aiheena, määrittelemällä uudelleen seuraavan sukupolven abstraktin taiteen. Hänen maalauksensa, kuten "Neljä punaista tummaa" (1958) ja "Oranssi, punainen ja keltainen" (1961), ovat yhtä merkittäviä tyyliltään kuin suurikokoiset.