Elämäsi aikana kuuluisa taiteilija ei ole takuu siitä, että muut taiteilijat muistavat sinut. Oletko kuullut ranskalaisesta taidemaalarista Ernest Meissonierista?
Hän oli aikanaan Edouard Manetin ja ylivoimaisesti menestyvämmän taiteilijan kanssa kriitikoiden suosiossa ja myynnissä. Päinvastoin on totta myös Vincent van Goghin kanssa. Van Gogh luotti veljeensä Theoon toimittamaan hänelle maalia ja kangasta, mutta tänään hänen maalauksensa hakevat ennätyshintoja aina kun he tulevat esiin taidehuutokaupassa, ja hän on kotinimi.
Kuuluisien maalausten tarkasteleminen menneisyydestä ja nykyisyydestä voi opettaa sinulle monia asioita, mukaan lukien maalin koostumus ja käsittely. Vaikka luultavasti tärkein oppitunti on, että sinun pitäisi lopulta maalata itsellesi, ei markkinoiden tai jälkipolvien kannalta.
"Yövartio" - Rembrandt
"Yövartio" -maalaus Rembrandt on Rijksmuseum Amsterdamissa. Kuten kuvasta näkyy, se on valtava maalaus: 363x437cm (143x172 ").
Rembrandt valmistui vuonna 1642. Sen todellinen nimi on "Frans Banning Cocqin ja Willem van Ruytenburchin yritys", mutta se tunnetaan paremmin nimellä Yövahti. (Yritys on miliisin vartija).Maalauksen koostumus oli ajanjaksolta hyvin erilainen. Sen sijaan, että Rembrandt olisi esittänyt hahmoja siististi ja järjestyksekkäästi, missä kaikille annettiin sama merkitys ja tila kankaalle, se on maalannut ne kiireisenä ryhmänä toiminnassa.
Noin 1715: n ympärillä maalattiin kilpi "Yövartioon", joka sisälsi 18 ihmisen nimiä, mutta vain osa nimistä oli koskaan tunnistettu. (Muista siis, jos maalat ryhmämuotokuvan: piirrä kaavioon takana kaikkien kaikkien tulevaisuuden nimet sukupolvet tietävät!) Maaliskuussa 2009 hollantilainen historioitsija Bas Dudok van Heel selvitti lopulta mysteerin kuka kuka maalaus. Hänen tutkimuksestaan löytyi jopa vaatteita ja asusteita, jotka on kuvattu Yövalvonnassa perhekartanot, jotka hän sitten kootti eri miliisien iän kanssa vuonna 1642, maalauksen aikaan valmistunut.
Dudok van Heel huomasi myös, että salissa, jossa Rembrandtin "Night Watch" ripustettiin ensimmäisen kerran, oli kuusi ryhmää miliisin muotokuvat, jotka on alun perin esitetty jatkuvana sarjana, eivät kuusi erillistä maalausta, kuten kauan sitten on ollut ajattelin. Pikemminkin Rembrandtin, Pickenoyn, Bakkerin, Van der Helstin, Van Sandrartin ja Flinckin kuusi ryhmämuotokuvaa muodostivat katkeamattoman friisin, jotka kumpikin sopivat toisiinsa ja kiinnittyivät huoneen puupanelointiin. Tai se oli tarkoitus. Rembrandtin "Night Watch" ei sovi muiden sävellyksen tai värin maalausten kanssa. Vaikuttaa siltä, että Rembrandt ei noudattanut palkkionsa ehtoja. Mutta sitten, jos hänellä olisi, meillä ei olisi koskaan ollut tätä hämmästyttävän erilaista 1700-luvun ryhmämuotokuvaa.
"Jänis" - Albrecht Dürer
Dürerin kaniksi kutsutaan yleisesti tämän maalauksen virallinen nimi sitä jänikseksi. Maalaus on Batliner-kokoelma n Albertina-museo Wienissä, Itävallassa.
Se maalattiin vesiväreillä ja guassilla, ja valkoiset kohokohdat tehtiin guassilla (sen sijaan, että se olisi paperin maalaamaton valkoinen).
Se on upea esimerkki siitä, miten turkki voidaan maalata. Sen jäljittelemiseksi lähestymistapa, jonka valitsisit, riippuu siitä, kuinka paljon kärsivällisyyttä sinulla on. Jos sinulla on odles, maalaa ohuella harjalla, yksi hiukset kerrallaan. Muussa tapauksessa käytä kuivaharjatekniikkaa tai jaa karvat harjalla. Kärsivällisyys ja kestävyys ovat välttämättömiä. Työskentele liian nopeasti märän maalin päälle, ja yksittäiset vedot voivat sekoittua. Älä jatka tarpeeksi kauan, ja turkki tuntuu paljaalta.
Sikstuksen kappelin kattofresko - Michelangelo
Michelangelon maalaus Sikstuksen kappelin katosta on yksi kuuluisimmista freskoista maailmassa.
Sikstuksen kappeli on suuri kappeli Apostolisessa palatsissa, joka on paavin (katolisen kirkon johtajan) virallinen asuinpaikka Vatikaanissa. Siinä on monia freskoja, jotka on maalattu renessanssin suurimmilla nimillä, mukaan lukien Berninin ja Raphaelin seinäfreskot, mutta tunnetuin Michelangelon kattoon kuuluvista freskoista.
Michelangelo syntyi 6. maaliskuuta 1475 ja kuoli 18. helmikuuta 1564. Paavi Julius II: n tilaama Michelangelo työskenteliSikstuksen kappelin katto toukokuusta 1508 lokakuuhun 1512 (mitään työtä ei tehty syyskuun 1510 ja elokuun 1511 välillä). Kappeli vihittiin käyttöön 1. marraskuuta 1512 Kaikkien pyhien juhlana.
Kappeli on 40,23 metriä pitkä, 13,40 metriä leveä ja katto korkeimmillaan 20,70 metriä maanpinnan yläpuolella1. Michelangelo maalasi sarjan raamatullisia kohtauksia, profeettoja ja Kristuksen esi-isiä sekä trompe l'oeil tai arkkitehtuurin piirteitä. Katon pääalue kuvaa tarinoita 1.Mooseksen kirjan tarinoista, mukaan lukien ihmiskunnan luominen, ihmisen kaatuminen armosta, vedenpaisumus ja Nooa.
Sikstuksen kappelin katto: Yksityiskohta
Ihmisen luomista esittävä paneeli on luultavasti tunnetuin kohtaus Michelangelon kuuluisassa freskossa Sikstuksen kappelin katolla.
Vatikaanin Sikstuksen kappelissa on monia freskoja, jotka on maalattu, mutta tunnetuin Michelangelon katon freskoista. Vatikaanin taideasiantuntijat tekivät laajamittaisen kunnostuksen vuosien 1980 ja 1994 välillä, poistamalla vuosisatojen verran savua kynttilöistä ja aikaisemmista kunnostustöistä. Tämä paljasti värit paljon kirkkaammaksi kuin aiemmin ajateltiin.
Pigmentit, joita Michelangelo käytti, sisälsi okraa punaisille ja keltaisille, rautasilikaatteja vihreille, lapis lazuli bluesille ja puuhiiltä mustalle.1 Kaikki ei ole maalattu niin yksityiskohtaisesti kuin se ensin näyttää. Esimerkiksi etualalla olevat hahmot on maalattu yksityiskohtaisemmin kuin taustalla olevat, mikä lisää katon syvyyden tunnetta.
Lisää Sikstuksen kappelista:
• Vatikaanin museot: Sikstuksen kappeli
• Virtuaalikierros Sikstuksen kappelissa
Lähteet:
1 Vatikaanin museot: Sikstuksen kappeli, Vatikaanin kaupunkivaltiosivusto, käyty 9. syyskuuta 2010.
Leonardo da Vinci -muistikirja
Renessanssitaiteilija Leonardo da Vinci on kuuluisa paitsi maalauksistaan myös muistikirjoistaan. Tämä kuva näyttää yhden Lontoon V&A -museossa.
Lontoon V&A -museon kokoelmissa on viisi Leonardo da Vincin muistikirjaa. Tätä, Codex Forster III: ksi kutsuttua, käytti Leonardo da Vinci vuosina 1490–1493 työskennellessään Milanossa herttua Ludovico Sforzan palveluksessa.
Se on pieni muistikirja, sellainen koko, jonka voit helposti pitää takkitaskussa. Se on täynnä kaikenlaisia ideoita, muistiinpanoja ja luonnoksia, mukaan lukien "hevosen jalkojen luonnokset, hatut ja vaatteet, jotka ovat voineet olla ideoita pallojen pukuihin, ja selostus ihmisen anatomiasta pää."1 Vaikka et voi kääntää muistikirjan sivuja museossa, voit selata sitä verkossa.
Hänen käsialaansa ei ole helppo lukea kalligrafisen tyylin ja peilikirjoituksen välillä (taaksepäin, oikealta vasemmalle), mutta joidenkin mielestä on kiehtovaa nähdä, kuinka hän laittaa kaikenlaiset yhteen muistikirja. Se on toimiva muistikirja, ei näyttelyesine. Jos olet koskaan huolissasi siitä, että luovuuslehti ei ollut jotenkin oikein tehty tai järjestetty, ota johtoasi tältä isännältä: tee se tarpeen mukaan
Lähde:
1. Tutustu Forster Codices, V&A -museoon. (Pääsy 8. elokuuta 2010.)
"Mona Lisa" - Leonardo da Vinci
Leonardo da VinciPariisin Louvressa oleva "Mona Lisa" -maalaus on epäilemättä maailman tunnetuin maalaus. Se on luultavasti myös tunnetuin esimerkki sfumato, maalaus tekniikka osittain vastuussa hänen arvoituksellinen hymy.
On ollut paljon spekulointia siitä, kuka nainen maalauksessa oli. Sen uskotaan olevan muotokuva Lisa Gherardinista, firenzeläisen kangaskaupan vaimosta Francesco del Giocondo. (1500-luvun taidekirjoittaja Vasari ehdotti ensimmäisten joukossa tätä "Taiteilijoidensa elämässä"). On myös ehdotettu, että hänen hymynsä syy oli, että hän oli raskaana.
Taidehistorioitsijat tietävät Leonardo oli aloittanut "Mona Lisan" vuoteen 1503 mennessä, sillä tietueen siitä teki sinä vuonna Firenzen vanhempi virkamies Agostino Vespucci. Kun hän lopetti, se on vähemmän varmaa. Louvre päivitti maalauksen alun perin vuodelle 1503-06, mutta vuonna 2012 tehdyt löydöt viittaavat siihen, että se on voinut olla yhtä suuri kuin kymmenen vuotta myöhemmin, ennen kuin se valmistui sen taustan perusteella, joka perustuu kivipiirustukseen, jonka hänen tiedetään tekevän 1510-15.1 Louvre muutti päivämäärät 1503-19: een maaliskuussa 2012.
Lähde:
1. Mona Lisa olisi voitu valmistua kymmenen vuotta myöhemmin kuin ajatteli The Art Newspaper, Martin Bailey, 7. maaliskuuta 2012 (luettu 10. maaliskuuta 2012)
Kuuluisat maalarit: Monet Givernyssä
Referenssikuvat maalaukseen: Monet'n "Garden at Giverny".
Osa syy siihen, kuinka impressionistinen taidemaalari Claude Monet on niin kuuluisa, on hänen maalauksensa heijastuksista lilialammikoissa, jotka hän loi suuressa puutarhassaan Givernyssä. Se inspiroi monta vuotta, aina hänen elämänsä loppuun saakka. Hän luonnosteli ideoita lammikoista innoittamiin maalauksiin ja loi pieniä ja suuria maalauksia sekä yksittäisinä teoksina että sarjoina.
Claude Monet'n allekirjoitus
Tämä esimerkki siitä, kuinka Monet allekirjoitti maalauksensa, on yksi hänen vesililjamaalauksistaan. Voit nähdä, että hän on allekirjoittanut sen nimellä ja sukunimellä (Claude Monet) ja vuodella (1904). Se on oikeassa alakulmassa, tarpeeksi kaukana, jotta kehys ei leikkaa sitä.
Monet'n koko nimi oli Claude Oscar Monet.
"Impression Sunrise" - Monet
Tämä Monetin maalaus antoi nimen impressionistinen tyyli taiteesta. Hän näytti sitä vuonna 1874 Pariisissa, joka tunnettiin nimellä ensimmäinen impressionistinen näyttely.
Taidekriitikko Louis Leroy sanoi katsauksessaan näyttelystä, jonka hän antoi otsikoksi "Impressionistien näyttely":
"Taustakuva on alkionsa tilassa viimeistelty kuin merimaisema."
Lähde:
1. Louis Leroy "L'Exposition des Impressionnistes", Le Charivari25. huhtikuuta 1874 Pariisi. Kääntäjä John Rewald kielellä Impressionismin historia, Moma, 1946, s. 256-61; lainattu Salon to Biennial: Exhibitions that Made Art History, kirjoittanut Bruce Altshuler, Phaidon, s.42-43.
"Haystacks" -sarja - Monet
Monet maalasi usein saman aiheen sarjan kaapatakseen valon muuttuvat vaikutukset, vaihtamalla kankaita päivän edetessä.
Monet maalasi monia aiheita uudestaan ja uudestaan, mutta jokainen hänen sarjamaalauksestaan on erilainen, olipa kyseessä maalaus vesililjasta tai heinäsuovasta. Koska Monet'n maalaukset ovat hajallaan kokoelmissa ympäri maailmaa, hänen sarjamaalauksensa pidetään yleensä vain erikoisnäyttelyissä. Onneksi Art Institute Chicagossa on kokoelmassaan useita Monetin heinäsuovamaalauksia, koska ne tekevät vaikuttavan katsomassa yhdessä:
- Pino vehnää
- Sulaa, auringonlasku
- Auringonlasku, lumivaikutus
- Lumen vaikutus, pilvinen päivä
- Kesän loppu
Lokakuussa 1890 Monet kirjoitti taidekriitikolle Gustave Geffroy'lle kirjoitusmaalaamastaan heinäsuovasta, sanoen:
"Olen kovaa siinä, työskentelen itsepäisesti sarjaan erilaisia vaikutuksia, mutta tänä vuoden aikana aurinko laskee niin nopeasti, että on mahdotonta pysyä mukana... mitä pidemmälle pääsen, sitä enemmän näen, että on tehtävä paljon työtä saadakseni etsimäni: 'välittömyys', ennen kaikkea 'kirjekuori', sama valo levisi kaikkeen... Olen yhä enemmän pakkomielle siitä, että on tarpeen tehdä kokemukseni, ja rukoilen, että minulla olisi vielä muutama hyvä vuosi jäljellä, koska luulen voivani edistyä jonkin verran... " 1
Lähde:
1. Monet itse, s. 172, toimittaja Richard Kendall, MacDonald & Co, Lontoo, 1989.
"Vesililjat" - Claude Monet
Claude Monet, "Vesililjat", c. 19140-17, öljy kankaalle. Koko 65 3/8 x 56 tuumaa (166,1 x 142,2 cm). Kokoelmassa San Franciscon kuvataidemuseot.
Monet on ehkä tunnetuin impressionistista, erityisesti maalauksistaan Givernyn puutarhan lilialammikon heijastuksista. Tässä tietyssä maalauksessa näkyy pieni pilvi oikeassa yläkulmassa ja taivaan kirjava blues taivasta vasten, kun vesi heijastuu.
Jos tutkit valokuvia Monetin puutarhasta, kuten tätä Monet-lilialammesta ja tätä liljakukkia, ja verrataan niitä tähän maalaukseen, saada tunne siitä, kuinka Monet vähensi yksityiskohtia taiteessaan, mukaan lukien vain kohtauksen ydin, tai vaikutelman heijastuksesta, vedestä ja liljasta kukka. Napsauta yllä olevan kuvan alla olevaa "Näytä täysikokoinen" -linkkiä saadaksesi suuremman version, jossa on helpompi tuntea Monetin harjaus.
Ranskalainen runoilija Paul Claudel sanoi:
"Veden ansiosta [Monetista] on tullut maalari sille, mitä emme näe. Hän käsittelee sitä näkymätöntä hengellistä pintaa, joka erottaa valon heijastuksesta. Ilmava taivaansininen nestemäisen taivaansin... Väri nousee veden pohjalta pilvissä, porealtaissa. "
Lähde:
Sivu 262 vuosisadamme taide, kirjoittanut Jean-Louis Ferrier ja Yann Le Pichon
Camille Pissarron allekirjoitus
Maalari Camille Pissarro on yleensä vähemmän tunnettu kuin monet hänen aikalaisensa (kuten Monet), mutta sillä on ainutlaatuinen paikka taiteen aikajanalla. Hän työskenteli sekä impressionistina että uusimpressionistina ja vaikutti kuuluisiin taiteilijoihin, kuten Cézanne, Van Gogh ja Gauguin. Hän oli ainoa taiteilija, joka näytti kaikissa kahdeksassa Impressionistiset näyttelyt Pariisissa vuosina 1874-1886.
Van Goghin omakuva (1886/1887)
Tämä muotokuva mennessä Vincent van Gogh on Chicagon taideinstituutin kokoelmassa. Se maalattiin pointillismia muistuttavalla tyylillä, mutta ei tartu tiukasti vain pisteisiin.
Kahden vuoden aikana, jolloin hän asui Pariisissa, vuosina 1886-1888, Van Gogh maalasi 24 omakuvaa. Chicagon taideinstituutti kuvaili tämän käyttävän Seuratin "pistetekniikkaa" ei tieteellisenä menetelmänä, vaan "intensiivisenä" emotionaalinen kieli "jossa" punaiset ja vihreät pisteet ovat häiritseviä ja täysin sopusoinnussa van Goghin katse. "
Muutama vuosi myöhemmin kirjeessään sisarelleen Wilhelminalle Van Gogh kirjoitti:
"Maalasin kaksi kuvaa itsestäni viime aikoina, joista yhdellä on mielestäni melko todellinen luonne, vaikka Hollannissa he todennäköisesti pilkkasivat idean muotokuvamaalauksesta tässä... Mielestäni valokuvat ovat aina kauhistuttavia, enkä halua niiden olevan lähellä, etenkään sellaisten ihmisten kuvia, joita tunnen ja rakastan... valokuvamuotokuvat kuihtuvat paljon aikaisemmin kuin me itse, kun taas maalattu muotokuva on asia, joka tuntuu, tehdään rakkaudella tai kunnioituksella kuvattavaa ihmistä kohtaan. "
Lähde:
Kirje Wilhelmina van Goghille 19. syyskuuta 1889
Vincent van Goghin allekirjoitus
Yökahvila Van Gogh on nyt Yalen yliopiston taidegallerian kokoelmassa. On tunnettua, että Van Gogh allekirjoitti vain ne maalaukset, joihin hän oli erityisen tyytyväinen, mutta tämän maalauksen tapauksessa on epätavallista, että hän lisäsi allekirjoituksensa alle otsikon "Le café de Nuit".
Huomaa, että Van Gogh allekirjoitti maalauksensa yksinkertaisesti "Vincentiksi", ei "Vincent van Goghiksi" eikä "Van Goghiksi".
Kirjeessään veljelleen Theolle, joka kirjoitettiin 24. maaliskuuta 1888, hän sanoi:
"Tulevaisuudessa nimeni olisi lisättävä luetteloon, kun allekirjoitan sen kankaalle, nimittäin Vincent eikä Van Gogh, siitä yksinkertaisesta syystä, että he eivät osaa ääntää jälkimmäistä nimeä täällä."
"Täällä" on Arles, Etelä-Ranskassa.
Jos olet miettinyt, miten äännät Van Goghin, muista, että se on hollantilainen sukunimi, ei ranska tai englanti. Joten "Gogh" lausutaan, joten se riimii skotlantilaisen "loch": n kanssa. Se ei ole "goff" eikä "go".
Tähtien yö - Vincent van Gogh
Tämä maalaus, joka on mahdollisesti tunnetuin Vincent van Goghin maalaus, on Nykytaiteen museo New Yorkissa.
Van Gogh maalasi Tähtien yö kesäkuussa 1889 mainittuaan aamutähden kirjeessään veljelleen Theolle, joka kirjoitettiin noin 2. kesäkuuta 1889: "Tänä aamuna minä näki maan ikkunastani kauan ennen auringonnousua, eikä siinä ollut muuta kuin aamutähti, joka näytti hyvin suurelta. " (oikeastaan planeetta Venus, ei tähti) pidetään yleensä suurena valkoisena, joka on maalattu juuri vasemmalle maalauksen keskustasta.
Van Goghin aikaisemmissa kirjeissä mainitaan myös tähdet ja yötaivas sekä hänen halu maalata ne:
1. "Milloin minun on koskaan päästävä tekemään tähtitaivasta, sitä kuvaa, joka on aina mielessäni?" (Kirje Emile Bernardille, n. 18. kesäkuuta 1888)
2. "Mitä tulee tähtitaivaan, toivon kovasti, että maalaan sen, ja ehkä aion jonakin näistä päivistä" (Kirje Theo van Goghille, s. 26. syyskuuta 1888).
3. "Tällä hetkellä haluan ehdottomasti maalata tähtitaivaan. Minusta tuntuu usein, että yö on yhä värikkäämpi kuin päivä; joilla on sävyjä voimakkaimmista violeteista, bluesista ja vihreistä. Jos vain kiinnität huomiota siihen, huomaat, että tietyt tähdet ovat sitruunankeltaisia, toiset vaaleanpunaisia tai vihreitä, sinisiä ja älä unohda minua. on ilmeistä, että pienten valkoisten pisteiden asettaminen sinimustalle ei riitä tähtitaivaan maalaamiseen. "(Kirje Wilhelmina van Goghille 16. syyskuuta 1888)
Asnieresin ravintola de la Sirene - Vincent van Gogh
Tämä Vincent van Goghin maalaus on Ashmolean-museon kokoelmassa Oxfordissa, Iso-Britanniassa. Van Gogh maalasi sen pian saapuessaan Pariisiin vuonna 1887 asumaan veljensä Theon kanssa Montmartreen, jossa Theo johti taidegalleriaa.
Ensimmäistä kertaa Vincent altistettiin impressionistien (erityisesti Monet) maalauksille ja tapasi taiteilijoita, kuten Gauguin, Toulouse-Lautrec, Emile Bernard ja Pissarro. Verrattuna hänen aikaisempaan työhönsä, jota hallitsivat tummat maan sävyt, jotka olivat tyypillisiä Pohjois-Euroopan maalaajille, kuten Rembrandtille, tämä maalaus osoittaa näiden taiteilijoiden vaikutuksen häneen.
Hänen käyttämänsä värit ovat vaalentuneet ja kirkastuneet, ja hänen harjatyönsä on tullut löysemmäksi ja ilmeisemmäksi. Katsokaa näitä yksityiskohtia maalauksesta ja näet, kuinka hän on käyttänyt pieniä puhtaan värisiä viivoja erotettuna. Hän ei sekoita värejä kankaalle, mutta antaa tämän tapahtua katsojan silmissä. Hän kokeilee rikki väri impressionistien lähestymistapa.
Hänen myöhempiin maalauksiinsa verrattuna värinauhat ovat erillään toisistaan ja niiden välissä on neutraali tausta. Hän ei vielä peitä koko kangasta kyllästetyllä värillä, eikä hyödynnä mahdollisuuksia käyttää siveltimiä tekstuurin luomiseen itse maaliin.
Ravintola de la Sirene, Asnieresissa, kirjoittanut Vincent van Gogh (Yksityiskohta)
Nämä yksityiskohdat Van Goghin maalauksesta The Restaurant de la Sirene Asnieresissa (Ashmolean museon kokoelmassa) osoittavat, kuinka hän kokeili hänen harjamaalaustaan ja harjamerkkejään altistuessaan impressionistien ja muiden nykypäivän pariisilaisten maalauksille taiteilijoita.
"Neljä tanssijaa" - Edgar Degas
Edgar Degas, Neljä tanssijaa, n. 1899. Öljy kankaalle. Koko 59 1/2 x 71 tuumaa (151,1 x 180,2 cm). vuonna Kansallinen taidegalleria, Washington.
"Taiteilijan äidin muotokuva" - Whistler
Tämä on mahdollisesti Whistlerin tunnetuin maalaus. Sen koko nimi on "Harmaasävyinen sovitus nro 1, taiteilijan äidin muotokuva". Hänen äitinsä suostui asettamaan maalauksen, kun Whistlerin käyttämä malli sairastui. Aluksi hän pyysi häntä asettamaan seisomaan, mutta kuten näette, hän antoi periksi ja antoi hänen istua.
Seinällä on Whistlerin syövytys, "Black Lion Wharf". Jos katsot verhoa varovasti vasemmassa yläkulmassa etsauksen kehyksestä näet kevyemmän tahran, se on perhosymboli, jota Whistler käytti allekirjoittamaan maalauksensa. Symboli ei ollut aina sama, mutta se muuttui, ja sen muotoa käytetään hänen teoksensa päivämäärään. Tiedetään, että hän oli alkanut käyttää sitä vuoteen 1869 mennessä.
"Toivo II" - Gustav Klimt
"Kuka tahansa, joka haluaa tietää jotain minusta - taiteilijana, ainoana merkittävänä asiana, pitäisi tarkastella tarkkaan kuviani ja yrittää nähdä niissä, mitä olen ja mitä haluan tehdä." Klimt.
Gustav Klimt maalasi Toivo II kankaalle vuonna 1907/8 öljymaaleilla, kullalla ja platinalla. Se on kooltaan 110,5 x 110,5 cm (43,5x43,5 "). Maalaus on osa Nykytaiteen museo New Yorkissa.
Toivo II on kaunis esimerkki Klimtin kultalehtien käyttö maalauksissa ja hänen rikas koriste-tyylinsä. Katsokaa tapaa, jolla hän maalasi päähahmon käyttämän vaatteen, kuinka se on abstrakti muoto, joka on koristeltu ympyröillä, mutta silti "luemme" sen viitta tai mekko. Kuinka alareunassa se sulautuu kolmelle muulle kasvolle.
Klimtin kuvitetussa elämäkerrassa taidekriitikko Frank Whitford sanoi:
Klimt "levitti aitoa kulta- ja hopealehteä korottaakseen edelleen vaikutelmaa, että maalaus on kallisarvoinen esine, ei etänä peili, josta luontoa voi nähdä, vaan huolellisesti valmistettu esine. " 2
Se on symboliikka, jota pidetään edelleen voimassa nykyään, koska kultaa pidetään edelleen arvokkaana hyödykkeenä.
Klimt asui Wienissä Itävallassa ja sai inspiraationsa enemmän idästä kuin lännestä "sellaisista lähteistä kuin Bysantin taide, myseeni metallityöt, persialaiset matot ja miniatyyrit, Ravennan kirkkojen mosaiikit ja japanilainen näytöt. " 3
Lähde:
1. Taiteilijat kontekstissa: Gustav Klimt Frank Whitford (Collins & Brown, Lontoo, 1993), takakansi.
2. Ibid. s. 82.
3. MoMA-kohokohdat (Nykytaiteen museo, New York, 2004), s. 54
Picasson allekirjoitus
Tämä on allekirjoitus Picasso hänen 1903-maalauksestaan (siniseltä ajalta) nimeltä "Absinttijuoma".
Picasso kokeili nimensä erilaisia lyhennettyjä versioita maalauksensa allekirjoituksena, mukaan lukien ympyröi nimikirjaimet ennen "Pablo Picasso" -asetuksen asettamista. Tänään kuulemme yleensä, että häntä kutsutaan yksinkertaisesti "Picasso."
Hänen koko nimi oli: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso1.
Lähde:
1. "Summa tuhoja: Picasson kulttuurit ja kubismin luominen", Natasha Staller. Yale University Press. Sivu s. 209.
"Absinttijuoma" - Picasso
Tämän maalauksen loi Picasso vuonna 1903 sinisen aikakautensa aikana (sinisen sävyjen hallitsi Picasson maalauksia; kun hän oli kaksikymppinen). Siinä on taiteilija Angel Fernandez de Soto, joka oli innokkaampi juhlimiseen ja juomiseen kuin maalauksensa1ja joka jakoi studion Picasson kanssa Barcelonassa kahdesti.
Andrew Lloyd Webber -säätiö järjesti maalauksen huutokaupalle kesäkuussa 2010 sen jälkeen, kun Yhdysvalloissa oli päästy tuomioistuimen ulkopuoliseen sopimukseen omistuksesta, saksalais-juutalaisen pankkiirin Paul von Mendelssohn-Bartholdyn jälkeläisten väitteen mukaan maalaus oli joutunut pakottamaan 1930-luvulla natsihallinnon aikana Saksa.
Lähde:
1. Christien huutokauppatalo Lehdistötiedote, "Christien tarjoama Picasso-mestariteos", 17. maaliskuuta 2010.
"Tragedia" - Picasso
Pablo Picasso, Tragedia, 1903. Öljy puulle. Koko 41 7/16 x 27 3/16 tuumaa (105,3 x 69 cm). vuonna Kansallinen taidegalleria, Washington.
Se on peräisin hänen siniseltä ajalta, jolloin hänen maalauksensa hallitsivat blues, kuten nimestä voi päätellä.
Picasson luonnos hänen kuuluisalle "Guernica" -maalaukselleen
Suunnitellessaan ja työskennellessään valtavaa Guernica-maalaustaan Picasso teki monia luonnoksia ja tutkimuksia. Kuvassa yksi hänen sävellys luonnoksia, jotka itsessään eivät näytä kovin suurilta, kokoelma piirtyneitä viivoja.
Sen sijaan, että yrität tulkita mitä eri asiat saattavat olla ja missä ne ovat viimeisessä maalauksessa, ajattele sitä Picasso-lyhentenä. Yksinkertainen merkkien tekeminen kuvista, joita hän piti mielessään. Keskity siihen, kuinka hän käyttää tätä päättääkseen, mihin elementit sijoittuvat maalaukseen, näiden elementtien väliseen vuorovaikutukseen.
"Guernica" - Picasso
Tämä kuuluisa Picasson maalaus on valtava: 3,5 jalkaa 6 tuumaa korkea ja 25 jalkaa 8 tuumaa leveä (3,5 x 7,76 metriä). Picasso maalasi sen tilauksesta Espanjan paviljonille Pariisin vuoden 1937 maailmanmessuilla. Se sijaitsee Museo Reina Sofiassa Madridissa, Espanjassa.
"Portrait de Mr Minguell" - Picasso
Picasso teki tämän muotokuvamaalauksen vuonna 1901 20-vuotiaana. Kohteena katalonialainen räätälöitsijä, herra Minguell, jonka uskotaan Picasson esittäneen hänen taidekauppias ja ystävä Pedro Manach1. Tyyli näyttää Picasson harjoittelun perinteisessä maalauksessa ja kuinka pitkälle hänen maalaustyylinsä kehittyi uransa aikana. Se, että se on maalattu paperille, on merkki siitä, että se tehtiin silloin, kun Picasso hajotettiin, eikä vielä ansainnut taiteestaan tarpeeksi rahaa maalattavaksi kankaalle.
Picasso antoi Minguellille maalauksen lahjaksi, mutta osti sen myöhemmin takaisin ja oli silti vielä kuollessaan 1973. Maalaus laitettiin kankaalle ja todennäköisesti myös palautettiin Picasson johdolla "joskus ennen vuotta 1969"2, kun se valokuvattiin Christian Zervosin teoksesta Picassossa.
Seuraavan kerran olet yhdessä näistä illallisjuhlista siitä, kuinka kaikki ei-realistiset maalarit vain maalaavat abstrakti, kubisti, fauvisti, impressionistinen, valitse tyylisi, koska he eivät voi tehdä "oikeita maalauksia", kysy henkilöltä, asettavatko he Picasson tähän luokkaan (useimmat tekevät), ja mainitse sitten tämä maalaus.
Lähde:
1 & 2. Bonhams Sale 17802 Erän yksityiskohdat Impressionistisen ja modernin taiteen myynti 22. kesäkuuta 2010. (Pääsy 3. kesäkuuta 2010.)
"Dora Maar" tai "Tête De Femme" - Picasso
Kun tämä Picasson maali myytiin huutokaupassa kesäkuussa 2008, se myytiin 7881 250 puntaa (15 509 512 dollaria). Huutokaupan arvio oli ollut kolmesta viiteen miljoonaan puntaa.
Les Demoiselles d'Avignon - Picasso
Tämä Picasson valtava maalaus (lähes kahdeksan neliömetriä) julistetaan yhdeksi tärkeimmistä nykytaiteen kappaleista, jotka on koskaan luotu, ellei tärkein, ratkaiseva maalaus modernin taiteen kehityksessä. Maalaus kuvaa viittä naista - prostituoituja bordellissa -, mutta siitä, mitä se kaikki tarkoittaa, sekä kaikista viitteistä ja vaikutteista käydään paljon keskustelua.
Taidekriitikko Jonathan Jones1 sanoo:
"Mikä hämmästytti Picassoa afrikkalaisista naamioista [ilmeisesti oikealla olevien kuvien edessä] oli ilmeisin asia: että he naamioivat sinut, tekevät sinusta jotain muuta - eläintä, demonia, a Jumala. Modernismi on taidetta, jolla on naamio. Siinä ei sanota, mitä se tarkoittaa; se ei ole ikkuna vaan seinä. Picasso valitsi aiheensa juuri siksi, että se oli klise: hän halusi osoittaa, että taiteellinen omaperäisyys ei ole kertomuksessa tai moraalissa vaan muodollisessa keksinnössä. Siksi on harhaanjohtavaa nähdä Les Demoiselles d'Avignon maalaukseksi, joka kertoo bordelleista, prostituoiduista tai kolonialismista.
Lähde:
1. Pablo's Punks kirjoittanut Jonathan Jones, Huoltaja, 9. tammikuuta 2007.
"Nainen kitaralla" - Georges Braque
Georges Braque, Nainen kitaralla, 1913. Öljy ja hiili kankaalle. 51 1/4 x 28 3/4 tuumaa (130 x 73 cm). Musee National d'Art Modernessa, Centre Georges Pompidou, Pariisi.
Punainen studio - Henri Matisse
Tämä maalaus on Nykytaiteen museo (Moma) New Yorkissa. Se näyttää Matissen maalistudion sisätilat litistetyllä perspektiivillä tai yhdellä kuvatasolla. Hänen studionsa seinät eivät olleet oikeastaan punaisia, ne olivat valkoisia; hän käytti maalauksessaan punaista vaikutusta.
Hänen studiossaan on esillä useita hänen taideteoksiaan ja studiokalusteita. Hänen studionsa huonekalut ovat maaliviivoja, jotka paljastavat värin alemmasta, keltaisesta ja sinisestä kerroksesta, ei maalattu punaisen päälle.
1. "Kulmalliset viivat viittaavat syvyyteen, ja ikkunan sinivihreä valo lisää sisätilan tunnetta, mutta punaisen laajuus tasoittaa kuvaa. Matisse lisää tätä vaikutusta esimerkiksi jättämällä huoneen kulman pystysuoran viivan pois. "
- MoMA Highlights, julkaisija Moma, 2004, sivu 77.
2. "Kaikki elementit... upottaa yksilölliset identiteettinsä siihen, mistä tuli pitkittynyt meditaatio taiteesta ja elämästä, avaruudesta, ajasta, havainnosta ja itse todellisuuden luonteesta... risteys länsimaiselle maalaukselle, jossa klassinen ulospäin suuntautuva, pääasiassa menneisyyden edustava taide tapasi väliaikaisen, sisäistetyn ja itsensä viittaavan tulevaisuuden eetoksen... "
- Hilary Spurling, sivu 81.
Tanssi - Henri Matisse
Yläkuvassa näkyy Matissen valmis maalaus otsikolla Tanssi, valmistunut vuonna 1910 ja nyt valtion Eremitaaši-museossa Pietarissa, Venäjällä. Alakuvassa näkyy täysikokoinen sävellystutkimus, jonka hän teki maalaukselle, nyt ÄITI New Yorkissa, Yhdysvalloissa. Matisse maalasi sen venäläisen taidekokoajan Sergei Shchukinin tilauksesta.
Se on valtava maalaus, lähes neljä metriä leveä ja kaksi ja puoli metriä pitkä (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2"), ja se on maalattu paletilla, joka on rajoitettu kolmeen väriin: punainen, vihreä ja sininen. Mielestäni se on maalaus, joka osoittaa, miksi Matisseella on niin suuri maine koloristina, varsinkin kun verrataan tutkimusta lopulliseen maalaukseen hehkuvilla hahmoillaan.
Hilary Spurling sanoo Matisse-elämäkerrassaan (sivulla 30):
"Ne, jotka näkivät ensimmäisen version Tanssi kuvasi sitä vaaleaksi, herkäksi, jopa unenomaiseksi, maalatuksi korotetuilla väreillä... toisessa versiossa kovaksi, tasaiseksi fermiksi vermilion-hahmoja, jotka värisevät kirkkaan vihreän ja taivaan nauhoja vastaan. Nykyaikaiset ihmiset näkivät maalauksen pakanallisena ja dionysialaisena. "
Huomaa litistetty perspektiivi, kuinka hahmot ovat samankokoisia kuin ne, jotka ovat kauempana pienemmistä kuin mitä esiintyisi perspektiivissä tai ennakoituna edustuksellisille maalauksille. Kuinka kuvioiden takana olevan sinisen ja vihreän välinen viiva on kaareva, kuvien ympyrää toistamalla.
"Pinta oli väriltään kyllästetty siihen pisteeseen, jossa sininen, ehdoton sinisen idea, oli lopullisesti läsnä. Kirkkaan vihreä maapallolle ja elinvoimainen muurahainen ruumiille. Näillä kolmella värillä minulla oli valon harmonia ja myös sävyn puhtaus. "- Matisse
Lähde:
"Johdatus venäläisnäyttelystä opettajille ja opiskelijoille", kirjoittanut Greg Harris, Kuninkaallinen taideakatemia, Lontoo, 2008.
Kuuluisat maalarit: Willem de Kooning
Maalari Willem de Kooning syntyi Rotterdamissa Alankomaissa 24. elokuuta 1904 ja kuoli Long Islandilla New Yorkissa 19. maaliskuuta 1997. De Kooning opiskeli kaupalliseen taiteeseen ja sisustusyrityksiin 12-vuotiaana ja osallistui iltakursseihin Rotterdamin taideakatemiassa kahdeksan vuotta. Hän muutti Yhdysvaltoihin vuonna 1926 ja alkoi maalata kokopäiväisesti vuonna 1936.
De Kooningin maalaustyyli oli abstrakti ekspressionismi. Hänellä oli ensimmäinen yksityisnäyttely Charles Egan -galleriassa New Yorkissa vuonna 1948, ja siinä oli mustavalkoista emalimaalia. (Hän alkoi käyttää emalimaalia, koska hänellä ei ollut varaa taiteilijan pigmentteihin.) Vuoteen 1950 mennessä hänet tunnustettiin yksi abstraktin ekspressionismin johtajista, vaikka jotkut tyylin puristit ajattelivat hänen maalauksiaan (kuten hänen Nainen sarja) sisältää liian suuren osan ihmismuodosta.
Hänen maalauksissaan on monia kerroksia, elementtejä, jotka ovat päällekkäin ja piilossa, kun hän muokkasi ja muokkasi maalausta. Muutokset voidaan näyttää. Hän piirsi kankaistaan paljon puuhiilellä alkuperäisen sävellyksen ja maalauksen aikana. Hänen harjatyönsä on eleellinen, ilmeikäs, villi, energian tunne aivohalvausten takana. Viimeiset maalaukset tekivät vilkaisun, mutta eivät.
De Kooningin taiteellinen tuotanto kesti lähes seitsemän vuosikymmentä ja sisälsi maalauksia, veistoksia, piirustuksia ja tulosteita. Hänen viimeiset maalauksensa Lähde 1980-luvun lopulla. Hänen tunnetuimmat maalauksensa ovat Vaaleanpunaiset enkelit (c. 1945), Kaivaukset (1950), ja hänen kolmas Nainen sarja (1950–53) tehty maalauksellisemmalla tyylillä ja improvisaatiolla. 1940-luvulla hän työskenteli samanaikaisesti abstrakteissa ja edustustyyleissä. Hänen läpimurtonsa oli hänen mustavalkoiset abstraktit sävellyksensä vuosilta 1948–49. 1950-luvun puolivälissä hän maalasi kaupunkien abstraktit, palaten 1960-luvun figurointiin ja sitten 1970-luvun suuriin eleiden abstraktioihin. 1980-luvulla de Kooning muuttui työskentelemään sileillä pinnoilla, lasitellen kirkkailla, läpinäkyvillä väreillä elepiirustusten fragmenttien yli.
Amerikkalainen gootti - Grant Wood
Amerikkalainen goottilainen on luultavasti tunnetuin kaikista maalauksista, joita amerikkalainen taiteilija Grant Wood on koskaan luonut. Se on nyt Chicagon taideinstituutissa.
Grant Wood maalasi "amerikkalaisen goottilaisen" vuonna 1930. Siinä kuvataan mies ja hänen tyttärensä (ei hänen vaimonsa1) seisoo talonsa edessä. Grant näki rakennuksen, joka inspiroi maalausta, Eldonissa, Iowassa. Arkkitehtoninen tyyli on amerikkalainen goottilainen, josta maalaus saa nimensä. Maalauksen mallit olivat Woodin sisko ja heidän hammaslääkäri.2. Maalaus on allekirjoitettu lähellä alareunaa, miehen haalareita, taiteilijan nimellä ja vuodella (Grant Wood 1930).
Mitä maalaus tarkoittaa? Puu tarkoitti sitä arvokkaana keskilänsi-amerikkalaisten luonteen esittämisenä, mikä osoittaa heidän puritaanisen etiikan. Mutta sitä voidaan pitää kommenttina (satiirina) maaseutuväestön suvaitsemattomuudesta ulkopuolisia kohtaan. Maalauksen symboliikka sisältää kovaa työtä (sorkka) ja kotitaloutta (kukkaruukut ja siirtomaa-esiliina). Tarkastellessasi tarkasti näet, että varren kolme piikkiä kaikuvat miehen haalareiden ompeleissa jatkaen paidan raidat.
Lähde:
Amerikkalainen goottilainen, Chicagon taideinstituutti, haettu 23. maaliskuuta 2011.
"Pyhän Ristin Johanneksen Kristus" - Salvador Dali
Tämä maalaus Salvador Dali on kokoelmassa Kelvingroven taidegalleria ja museo Glasgow'ssa, Skotlannissa. Se meni ensimmäistä kertaa esille galleriassa 23. kesäkuuta 1952. Maalaus ostettiin 8200 puntaa, jota pidettiin korkeana hintana, vaikka siihen sisältyi tekijänoikeus, jonka ansiosta galleria sai ansaita kopiointimaksuja (ja myydä lukemattomia postikortteja!).
Oli epätavallista, että Dalilla myytiin tekijänoikeudet maalaukseen, mutta hän tarvitsi rahaa. (Tekijänoikeus säilyy artistilla, ellei sitä ole allekirjoitettu, katso Taiteilijan tekijänoikeuksien UKK.)
"Ilmeisesti taloudellisissa vaikeuksissa Dali pyysi aluksi 12 000 puntaa, mutta kovien neuvottelujen jälkeen... hän myi sen lähes kolmanneksella halvemmalla ja allekirjoitti vuonna 1952 [Glasgow'n] kaupungille kirjeen tekijänoikeuksien luovuttamisesta.
Maalauksen otsikko on viittaus piirustukseen, joka inspiroi Dalia. Kynän ja musteen piirustus tehtiin sen jälkeen, kun Ristin Johannes (espanjalainen karmeliitti, 1542–1591) näki näyn, jossa hän näki Kristuksen ristiinnaulitsemisen ikään kuin katsellen sitä ylhäältä. Sävellys on silmiinpistävä epätavallisesta näkökulmastaan Kristuksen ristiinnaulitsemiseen, valaistus on dramaattinen heittää voimakkaasti varjot, ja siitä on paljon hyötyä lyhentäminen kuvassa. Maalauksen alaosassa oleva maisema on Dalin kotikaupungin satama, Port Lligat Espanjassa.
Maalaus on ollut kiistanalainen monin tavoin: siitä maksettu summa; aihe; tyyli (joka näytti olevan pikemminkin retro kuin moderni). Lue lisää maalauksesta gallerian verkkosivuilta.
Lähde:
"Surrealistinen tapaus Dali-kuvista ja taistelu taiteellisesta lisenssistä"kirjoittanut Severin Carrell, Huoltaja, 27. tammikuuta 2009
Campbellin keittoastiat - Andy Warhol
Yksityiskohta Andy Warholilta Campbellin keittoastiat. Akryyli kankaalle. 32 maalausta 20x16 "(50.8x40.6cm). Kokoelmassa Nykytaiteen museo (MoMA) New Yorkissa.
Warhol esitteli ensimmäisen kerran Campbellin keittoastiamaalausten sarjan vuonna 1962, jolloin kunkin maalauksen pohja lepää hyllyllä kuin tölkki supermarketissa. Sarjassa on 32 maalausta, Campbellin tuolloin myymien keittolajikkeiden määrä.
Jos olisit kuvitellut, että Warhol varastoi ruokakomeroaan keittoastioilla, syö sitten tölkin, kun hän oli maalannut. Moman verkkosivujen mukaan Warhol käytti Campbellin tuoteluetteloa määrittääkseen jokaiselle maalaukselle erilaisen maun.
Kysyttäessä siitä Warhol sanoi:
"Minulla oli tapana juoda sitä. Minulla oli tapana käydä sama lounas joka päivä, kaksikymmentä vuotta, luulen, saman asian uudestaan ja uudestaan. "1
Warholilla ei ilmeisesti myöskään ollut tilausta, jonka hän halusi maalausten esille. Moma näyttää maalauksia "riveillä, jotka heijastavat kronologista järjestystä, jossa [keitot] otettiin käyttöön, alkaen" Tomaatti "vasemmassa yläkulmassa, joka debytoi vuonna 1897."
Joten jos maalat sarjan ja haluat niiden näkyvän tietyssä järjestyksessä, varmista, että merkitset tämän muistiin jonnekin. Kankaiden takareuna on todennäköisesti paras, koska silloin se ei erotu maalauksesta (vaikka se voi piiloutua, jos maalaukset on kehystetty).
Warhol on taiteilija, jonka usein mainitsevat maalarit, jotka haluavat tehdä johdannaisia. Kaksi asiaa on syytä huomata, ennen kuin teet samanlaisia asioita:
- Päällä Moman verkkosivusto, siellä on osoitus Campbell's Soup Co: n lisenssistä (eli lisenssisopimus keittoyrityksen ja taiteilijan tilan välillä).
- Tekijänoikeuksien noudattaminen näyttää olleen vähemmän ongelma Warholin päivinä. Älä tee tekijänoikeuksia koskevia oletuksia Warholin työn perusteella. Tee tutkimuksesi ja päätä, mikä on huolesi mahdollisesta tekijänoikeusloukkaustapauksesta.
Campbell ei käskenyt Warholia tekemään maalauksia (vaikka he myöhemmin tilaivatkin eläkkeelle jääneen hallituksen puheenjohtajan vuonna 1964) ja oli huolestunut, kun tuotemerkki ilmestyi Warholin maalauksissa vuonna 1962. maalaukset. Vuosina 2004, 2006 ja 2012 Campbell myi erityisiä Warhol-muistomerkkejä sisältäviä tölkkejä.
Lähde:
1. Kuten lainattu Äiti, käytetty 31. elokuuta 2012.
Isommat puut lähellä Warteria - David Hockney
Yläosa: Taiteilija David Hockney seisoi osan öljymaalauksestaan "Suuremmat puut lähellä Warteria", jonka hän lahjoitti Tate Britainille huhtikuussa 2008.
Pohja: Maalaus esiteltiin ensimmäisen kerran vuoden 2007 kesänäyttelyssä Lontoon kuninkaallisessa akatemiassa, koko seinän.
David Hockneyn öljymaalaus "Suuremmat puut lähellä Warteria" (kutsutaan myös nimellä Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique) kuvaa kohtausta lähellä Bridlingtonia Yorkshiressä. Maalaus on tehty 50 kankaasta, jotka on järjestetty vierekkäin. Maalaus on kooltaan 40x15 jalkaa (4,6x12 metriä).
Tuolloin Hockney maalasi sen, se oli suurin teos, jonka hän oli koskaan valmistanut, vaikkakaan ei ensimmäinen, jonka hän oli luonut useilla kankailla.
" Tein tämän, koska tajusin, että voisin tehdä sen ilman tikkaita. Kun maalaat, sinun on voitava astua taaksepäin. No, on taiteilijoita, jotka on tapettu poistuen tikkailta, eikö vain?"
- Hockney lainattu a Reuter uutisraportti, 7. huhtikuuta 2008.
Hockney käytti piirustuksia ja tietokonetta auttaakseen sävellystä ja maalausta. Kun osa oli valmis, otettiin valokuva, jotta hän näki koko maalauksen tietokoneella.
"Ensinnäkin Hockney luonnosteli ruudukon, joka osoittaa, kuinka kohtaus sopisi yhteen yli 50 paneelin kanssa. Sitten hän alkoi työskennellä yksittäisten paneelien parissa paikan päällä. Kun hän työskenteli heidän kanssaan, heidät valokuvattiin ja niistä tehtiin tietokonemosaiikki, jotta hän voisi kartoittaa edistymistä, koska hänellä voi olla vain kuusi paneelia seinällä kerralla. "
Lähde:
Charlotte Higgins, Huoltaja taiteen kirjeenvaihtaja, Hockney lahjoittaa Tateelle valtavan työn, 7. huhtikuuta 2008.
Henry Mooren sotamaalauksia
Henry Moore -näyttely Lontoon Tate Britain -galleriassa järjestettiin 24. helmikuuta - 8. elokuuta 2010.
Brittiläinen taiteilija Henry Moore on tunnetuin veistoksistaan, mutta tunnetaan myös musteestaan, vahastaan ja akvarellimaalauksia ihmisistä, jotka suojaavat Lontoon metroasemilta toisen maailmansodan aikana. Moore oli virallinen sotataiteilija, ja 2010 Henry Moore -näyttely Tate Britain -galleriassa on näille omistettu huone. Valmistettu syksyn 1940 ja kesän 1941 välisenä aikana, hänen kuvauksensa nukkuvista hahmoista painui junaan tunnelit vangitsivat ahdistuksen tunteen, joka muutti hänen mainettaan ja vaikutti kansan käsitykseen Blitz. Hänen työnsä 1950-luvulla heijasti sodan jälkiseurauksia ja mahdollisuuksia jatkoa konflikteille.
Moore syntyi Yorkshiressä ja opiskeli Leedsin taidekoulussa vuonna 1919 palvelettuaan ensimmäisessä maailmansodassa. Vuonna 1921 hän voitti stipendin Lontoon Royal Collegessa. Myöhemmin hän opetti Royal Collegessa sekä Chelsean taidekoulussa. Vuodesta 1940 Moore asui Perry Greenissä Hertfordshiressä, joka nyt asuu Henry Moore -säätiö. Moore voitti vuoden 1948 Venetsian biennaalissa kansainvälisen veistospalkinnon.
"Frank" - Chuck Close
"Frank", kirjoittanut Chuck Close, 1969. Akryyli kankaalle. Koko 108 x 84 x 3 tuumaa (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). vuonna Minneapolis Institute of Art.
Lucian Freudin omakuva ja valokuvamuotokuva
Artisti Lucian Freud on tunnettu voimakkaasta, anteeksiantamattomasta katseensa, mutta kuten tämä omakuva osoittaa, hän kääntää sen itselleen, ei vain malleilleen.
1. "Luulen, että upea muotokuva liittyy... tunne ja yksilöllisyys, kunnioituksen voimakkuus ja keskittyminen erityiseen. " 1
2. "... sinun täytyy yrittää maalata itsesi toisena henkilönä. Omakuvien kanssa "kaltaisuudesta" tulee erilainen asia. Minun on tehtävä se, mitä tunnen ilman, että olen ekspressionisti. " 2
Lähde:
1. Lucian Freud, lainattu Freud at Work s. 32-3. 2. Lucian Freud lainaa Lucian Freudissa William Feaver (Tate Publishing, Lontoo 2002), s. 43.
"Mona Lisan isä" - Man Ray
Man Rayn "Mona Lisan isä", 1967. Kopio kuitulevylle asennetusta piirustuksesta, johon on lisätty sikaria. Koko 18 x 13 5/8 x 2 5/8 tuumaa (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). Kokoelmassa Hirshorn-museo.
Monet ihmiset yhdistävät Man Rayn vain valokuvaukseen, mutta hän oli myös taiteilija ja taidemaalari. Hän oli ystäviä taiteilija Marcel Duchampin kanssa ja työskenteli yhteistyössä hänen kanssaan.
Toukokuussa 1999 Taideuutiset -lehti sisälsi Man Rayn luetteloon 1900-luvun 25 vaikutusvaltaisimmasta taiteilijasta hänen valokuvauksestaan ja "elokuvien, maalausten, veistosten, kollaasien, kokoonpanojen tutkimuksista. Näitä prototyyppejä kutsutaan lopulta performanssitaideksi ja käsitteelliseksi taiteeksi. "
Art News sanoi:
"Man Ray tarjosi taiteilijoille kaikissa medioissa esimerkin luovasta älykkyydestä, joka" nautinnon ja vapauden tavoittelussa "[Man Ray totesi ohjaavansa periaatteet] avasi jokaisen oven, johon se tuli, ja käveli vapaasti missä haluaisi. "(Lainaus Lähde: Art News, toukokuu 1999," Willful Provocateur ", AD Coleman.)
Tämä kappale, "Mona Lisan isä", osoittaa kuinka suhteellisen yksinkertainen idea voi olla tehokas. Vaikea osa on ensinnäkin ajatuksen keksiminen; joskus ne tulevat inspiraationa; joskus osana ideoiden aivoriihiä; joskus kehittämällä ja ajamalla konseptia tai ajatusta.
Kuuluisat maalarit: Yves Klein
Retrospektiivinen: Yves Klein -näyttely Hirshhorn-museossa Washingtonissa, USA: ssa, 20. toukokuuta 2010 - 12. syyskuuta 2010.
Taiteilija Yves Klein on luultavasti tunnetuin yksivärisistä taideteoksistaan, joissa on hänen erikoisinsinsä (katso esimerkiksi "Living Paintbrush"). IKB tai International Klein Blue on hänen muotoilema ultramariinisininen.
Klein kutsui itseään "avaruuden maalariksi" ja pyrki saavuttamaan aineettoman henkisyyden puhtailla väreillä "ja huolehtii" nykykäsityksistä taiteen käsitteellisestä luonteesta ".1.
Kleinillä oli suhteellisen lyhyt ura, alle kymmenen vuotta. Hänen ensimmäinen julkinen työnsä oli taiteilijan kirja Yves Peintures ("Yves-maalaukset"), julkaistu vuonna 1954. Hänen ensimmäinen julkinen näyttely oli vuonna 1955. Hän kuoli 34-vuotiaana sydänkohtaukseen vuonna 1962. (Aikajana Kleinin elämästä alkaen Yves Kleinin arkisto.)
Lähde:
1. Yves Klein: Voidin kanssa, täydet voimat, Hirshhorn-museo, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, käytetty 13. toukokuuta 2010.
"Elävä pensseli" - Yves Klein
Tämä ranskalaisen taiteilijan maalaus Yves Klein (1928-1962) on yksi sarjoista, joissa hän käytti "eläviä siveltimiä". Hän peitti alastomia naisten malleja allekirjoituksellaan (International Klein Blue, IKB) ja sitten performanssitaidessa yleisön edessä "maalattu" heidän kanssaan suurille paperiarkkeille ohjaamalla heitä suullisesti.
Otsikko "ANT154" on johdettu taidekriitikko Pierre Restanyn kommentista, joka kuvaa maalauksia, jotka on tuotettu "sinisen ajan antropometriana". Klein käytti sarjana lyhennettä ANT otsikko.
Musta maalaus - Ad Reinhardt
"Värissä on jotain vikaa, vastuutonta ja mieletöntä; jotain mahdotonta hallita. Valvonta ja järkiperäisyys ovat osa moraaliani. " - Ad Reinhard vuonna 1960 1
Tämä amerikkalaisen taiteilijan Ad Reinhardtin (1913-1967) yksivärinen maalaus on New Yorkin modernin taiteen museossa (Moma). Se on 60x60 "(152,4x152,4cm), öljy kankaalle, ja se on maalattu 1960-61. Viime vuosikymmenen ajan ja vähän elämästään (hän kuoli vuonna 1967) Reinhardt käytti maalauksissaan vain mustaa.
Amy Sia, joka otti valokuvan, sananpitäjä kertoo, kuinka maali on jaettu yhdeksään ruutuun, joista jokaisella on erilainen mustan sävy.
Älä huoli, jos et näe sitä valokuvassa. On vaikea nähdä, vaikka olisit maalauksen edessä. Hänessä essee Reinhardtista Guggenheimille Nancy Spector kuvaa Reinhardtin kangasta "mykistyneinä mustina neliöinä, jotka sisältävät tuskin havaittavia ristinmuotoja [jotka] haastavat näkyvyyden rajat". 2.
Lähde:
1. Väri taiteessa John Gage, s.205
2. Reinhardt Nancy Spector, Guggenheim-museo (Pääsy 5. elokuuta 2013)
John Virtuen Lontoon maalaus
Brittiläinen taiteilija John Virtue on maalannut abstrakteja maisemia vain mustavalkoisena vuodesta 1978 lähtien. Lontoon kansallisgallerian tuottamalla DVD: llä Virtue sanoo, että mustavalkoisena työskentely pakottaa hänet "olemaan kekseliäs... keksimään uudelleen". Eschewing color "syvenee Minun käsitykseni siitä, mitä väriä on… Taju tosiasiallisesti siitä, mitä näen... on paras ja tarkemmin ja paremmin välittynyt siitä, ettei minulla ole öljypalettia maali. Väri olisi umpikuja. "
Tämä on yksi John Virtuen Lontoon maalauksista, joka on tehty hänen toimiessaan taiteilijana Kansallisgalleriassa (vuosina 2003-2005). Kansallisgallerian verkkosivusto kuvailee hyveen maalauksia "affiniteeteina itämaisen maalausmaalauksen ja amerikkalaisen abstraktin ekspressionismin kanssa" ja liittyvät läheisesti "suureen englantiin" maisemamaalareita, Turner ja Constable, joita Hyveellisyys ihailee valtavasti "sekä siihen, että Hollannin ja Flanderin maisemat ovat vaikuttaneet Ruisdaeliin, Koninckiin ja Rubens ".
Hyveellisyys ei anna maalauksilleen otsikoita, vain numeroita. Haastattelussa huhtikuussa 2005 julkaistussa Taiteilijat ja kuvittajat lehden Virtue sanoo aloittaneensa työnsä numeroinnin kronologisesti jo vuonna 1978, kun hän alkoi työskennellä yksivärisenä:
"Hierarkiaa ei ole. Ei ole väliä onko se 28 jalkaa vai kolme tuumaa. Se on sanaton päiväkirja olemassaolostani. "
Hänen maalauksiaan kutsutaan vain nimellä "Maisema nro 45" tai "Maisema nro 630" ja niin edelleen.
Taidesäiliö - Michael Landy
Taiteilija Michael Landyn Art Bin - näyttely pidettiin Etelä-Lontoon galleria 29. tammikuuta - 14. maaliskuuta 2010. Käsite on valtava (600m3) galleriatilaan rakennettu jäteastia, johon taide heitetään pois, "luovuuden epäonnistumisen muistomerkki"1.
Mutta ei mitään vanhaa taidetta; joudut hakemaan heittääksesi taiteen roskiin joko verkossa tai galleriassa, Michael Landyn tai yhden hänen edustajansa kanssa päättäessään, voisiko se sisältyä vai ei. Jos se hyväksytään, se heitettiin roskakoriin toisessa päässä olevasta tornista.
Kun olin näyttelyssä, heitettiin useita kappaleita, ja heittäjällä oli ollut paljon harjoittelua siitä, miten hän pystyi saamaan yhden maalauksen liukumaan suoraan kuvan toiselle puolelle astiaan.
Taidetulkinta etenee polulle, milloin / miksi taidetta pidetään hyvänä (tai roskana), subjektiivisuutta taiteelle annettu arvo, taidekokoelma, taidekeräilijöiden ja gallerioiden voima tehdä tai rikkoa taiteilijoita uran.
Oli varmasti mielenkiintoista kävellä sivuilla katsomalla, mitä oli heitetty, mikä oli rikkoutunut (paljon polystyreenikappaleita) ja mikä ei (useimmat kankaalle tehdyt maalaukset olivat kokonaisia). Jossain alareunassa oli suuri kallonjälki, jonka oli koristeltu Damien Hirstin lasilla ja Tracey Eminin pala. Viime kädessä mikä voisi olla, se kierrätettäisiin (esimerkiksi paperi- ja kangaspaarit) ja loput päätettäisiin kaatopaikalle. Haudattu roskiksi, arkeologi ei todennäköisesti kaivaa sitä vuosisatojen kuluttua.
Lähde:
1&2. #Michael Landy: Taidesäiliö ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), South London Gallery -sivusto, käyty 13. maaliskuuta 2010.
Barack Obama - Shepard Fairey
Tämän maalauksen yhdysvaltalaisesta poliitikosta Barack Obamasta, sekatekniikalla tehdystä kollaasista, on luonut Los Angelesissa asuva katutaiteilija, Shepard Fairey. Se oli keskeinen muotokuva, jota käytettiin Obaman vuoden 2008 presidentinvaalikampanjassa, ja se jaettiin rajoitetun painoksen painettuna ja ladattavana ilmaiseksi. Se on nyt Washington DC: n kansallisessa muotokuvagalleriassa.
1. "Luodakseen Obama-julisteensa (jonka hän teki alle viikossa) Fairey nappasi uutisvalokuvan ehdokkaasta Internetistä. Hän etsi Obamaa, joka näytti olevan presidentti... Sitten taiteilija yksinkertaisti viivoja ja geometriaa käyttämällä punaista, valkoista ja sinistä isänmaallista palettia (jonka kanssa hän leikkii tekemällä valkoisesta beigen ja sinisen pastellin sävyn)... lihavoidut sanat ...
2. "Hänen Obaman julisteet (ja monet hänen kaupallisesta ja kuvataideteoksestaan) ovat uuden tekniikan uudistuksia vallankumoukselliset propagandistit - kirkkaat värit, rohkeat tekstit, geometrinen yksinkertaisuus, sankarilliset asennot. "
Lähde:
"Obaman kannatus seinällä" kirjoittanut William Booth, Washington Post 18. toukokuuta 2008.
"Requiem, valkoiset ruusut ja perhoset" - Damien Hirst
Brittiläinen taiteilija Damien Hirst on tunnetuin eläimistä, jotka on säilytetty formaldehydissä, mutta 40-luvun alussa palasi öljymaalaukseen. Lokakuussa 2009 hän näytti ensimmäistä kertaa vuosina 2006-2008 luotuja maalauksia Lontoossa. Tämä esimerkki kuuluisan taiteilijan ei-vielä kuuluisasta maalauksesta tulee hänen näyttely Lontoon Wallace-kokoelmassa "No Love Lost". (Päivämäärät: 12. lokakuuta 2009 - 24. tammikuuta 2010.)
BBC uutiset lainasi Hirstin sanoja.
"Hän maalaa nyt vain käsin", että kahden vuoden ajan hänen "maalauksensa olivat noloja, enkä halunnut kuka tahansa, joka tulee sisään. "ja että hänen" oli opittava maalaamaan uudelleen ensimmäistä kertaa teini-ikäisen taiteensa jälkeen opiskelija."1
Wallace-näyttelyyn liitetyssä lehdistötiedotteessa sanottiin:
"Siniset maalaukset" todistavat hänen työstään rohkeasta uudesta suunnasta; sarja maalauksia, jotka taiteilijan sanoin ovat "syvästi yhteydessä menneisyyteen". "
Maalin asettaminen kankaalle on varmasti uusi suunta Hirstille, ja missä Hirst menee, taiteiden opiskelijat todennäköisesti seuraavat. Öljymaalauksesta voi tulla jälleen trendikäs.
About.comin opas London Traveliin, Laura Porter, meni Hirstin näyttelyn lehdistön esikatseluun ja sai vastauksen yhteen kysymykseen, jonka halusin tietää: Mitä sinisiä pigmenttejä hän käytti?
Lauralle kerrottiin, että se oli "Preussin sininen kaikille paitsi yksi 25 maalauksesta, joka on musta. "Ei ihme, että se on niin tumma, hehkuva sininen!
Taidekriitikko Adrian Searle Huoltaja ei ollut kovin suotuisa Hirstin maalauksista:
"Pahimmillaan Hirstin piirustus näyttää vain amatööri- ja murrosikäiseltä. Hänen harjauksestaan puuttuu se kiusaaminen ja panache, joka saa sinut uskomaan taidemaalarin valheisiin. Hän ei voi vielä kantaa sitä pois. "2
Lähde:
1 Hirst 'luovuttaa marinoituja eläimiä', BBC News, 1. lokakuuta 2009
2. "Damien Hirstin maalaukset ovat tappavia"Adrian Searle, Huoltaja, 14. lokakuuta 2009.
Kuuluisia taiteilijoita: Antony Gormley
Antony Gormley on brittiläinen taiteilija, kenties tunnetuin veistoksestaan Pohjoinen enkeli, joka paljastettiin vuonna 1998. Se seisoo Tynesidessä, Koillis-Englannissa, paikassa, joka oli aikoinaan colliery, ja toivottaa sinut tervetulleeksi 54 metriä leveillä siipillään.
Heinäkuussa 2009 Gormleyn installaatiotaidetta Lontoon Trafalgar Squaren neljännellä sokkelilla näki vapaaehtoisen seisovan tunnin ajan sokkelissa 24 tuntia vuorokaudessa 100 päivän ajan. Toisin kuin muut Trafalgar Squaren sokkelit, kansallisgallerian ulkopuolella sijaitsevalla neljännellä sokkelilla ei ole pysyvää patsasta. Jotkut osallistujat olivat itse taiteilijoita ja hahmottivat epätavallisen näkökulman (kuva).
Antony Gormley syntyi vuonna 1950 Lontoossa. Hän opiskeli useissa korkeakouluissa Isossa-Britanniassa ja buddhalaisuutta Intiassa ja Sri Lankassa, ennen kuin hän keskittyi kuvanveistoon Lontoon Slade School of Artissa vuosina 1977-1979. Hänen ensimmäinen yksityisnäyttely oli Whitechapel-taidegalleriassa vuonna 1981. Vuonna 1994 Gormley voitti Turner-palkinnon teoksellaan "Field for the British Isles".
Hänen elämäkerta hänen verkkosivusto sanoo:
... Antony Gormley on elvyttänyt veistoksen ihmiskuvan tutkimalla radikaalisti kehoa muistin ja muutoksen paikana käyttäen omaa ruumistaan aineena, työkaluna ja materiaalina. Vuodesta 1990 lähtien hän on laajentanut huolta ihmisolosuhteista tutkiakseen kollektiivista kehoa ja itsensä ja muiden suhdetta suurissa installaatioissa ...
Gormley ei luo sellaista hahmoa kuin hän tekee, koska hän ei voi tehdä perinteisiä patsaita. Pikemminkin hän nauttii erosta ja kyvystä, jonka ne antavat meille tulkita niitä. Haastattelussa Ajat1, hän sanoi:
"Perinteiset patsaat eivät koske potentiaalia, vaan jotain, joka on jo valmis. Heillä on moraalinen auktoriteetti, joka on pikemminkin sortava kuin yhteistyöhön perustuva. Teokseni tunnustavat heidän tyhjyytensä. "
Lähde:
John-Paul Flintoff, The Times, Antony Gormley, ihminen, joka mursi hometta, 2. maaliskuuta 2008.
Kuuluisia nykyaikaisia brittiläisiä taidemaalareita
Vasemmalta oikealle taiteilijat Bob ja Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blakeja Alison Watt.
Tilaisuus oli maalauksen katselu Diana ja Actaeon Titian (näkymätön, vasemmalla) Lontoon kansallisgalleriassa, jonka tarkoituksena on kerätä varoja maalauksen ostamiseksi galleriaan.
Kuuluisia taiteilijoita: Lee Krasner ja Jackson Pollock
Näistä kahdesta maalarista Jackson Pollock on kuuluisampi kuin Lee Krasner, mutta ilman hänen tukeaan ja hänen taideteoksensa mainostamista hänellä ei ehkä ole sijaa taiteen aikajanalla. Molemmat maalattiin abstraktilla ekspressionistisella tyylillä. Krasner taisteli itsestään kriitikoiden suosiota, eikä vain pidetty Pollockin vaimona. Krasner jätti perinnön perustaa Pollock-Krasner -säätiö, joka antaa apurahoja kuvataiteilijoille.
Louis Aston Knightin tikkaat
Louis Aston Knight (1873--1948) oli Pariisissa syntynyt amerikkalainen taiteilija, joka tunnetaan maisemamaalauksistaan. Aluksi hän koulutti taiteilijaisänsä, Daniel Ridgway Knightin johdolla. Hän näytti ensimmäistä kertaa ranskalaisessa salongissa vuonna 1894 ja jatkoi niin koko elämänsä ajan, samalla kun hän sai suosiota Amerikassa. Hänen maalauksensa Iltarusko Yhdysvaltain presidentti Warren Harding osti Valkoiselle talolle vuonna 1922.
Tämä kuva American Art -arkisto, valitettavasti, ei anna meille sijaintia, mutta sinun täytyy ajatella, että kuka tahansa taiteilija, joka haluaa kahlata vesi hänen maalaustikkaillaan ja maaleillaan oli joko omistautunut luonnon tarkkailuun tai melko showmies.
1897: Naisten taideluokka
Tämä kuva vuodelta 1897 American Art -arkisto näyttää naisten taidekurssin ohjaajan William Merritt Chasen kanssa. Tuona aikakautena miehet ja naiset osallistuivat taidekursseille erikseen, joissa naisilla oli aikojen vuoksi onni pystyä saamaan taideopetusta ollenkaan.
Taidekesikoulu noin 1900
St Paulin taidekorkeakoulun kesäluokkien, Mendotassa, Minnesotassa työskentelevät taideopiskelijat valokuvattiin vuonna 1900 opettaja Burt Harwoodin kanssa.
Muotia lukuun ottamatta, suuret aurinkohatut ovat hyvin käytännöllisiä maalaus ulkona koska se pitää auringon poissa silmistäsi ja estää kasvosi palamasta (samoin kuin pitkähihainen yläosa).
"Nelsonin laiva pullossa" - Yinka Shonibar
Joskus se on taideteoksen mittakaava, joka antaa sille dramaattisen vaikutuksen, paljon enemmän kuin aihe. Yinka Shonibarin "Nelsonin laiva pullossa" on sellainen pala.
Yinka Shonibarin "Nelsonin laiva pullossa" on 2,35 metriä korkea alus vielä korkeammassa pullossa. Se on 1:29 -asteinen kopio varamiraali Nelsonin lippulaivasta, HMS: stä Voitto.
"Nelsonin laiva pullossa" ilmestyi Lontoon Trafalgar Squaren neljännellä sokkelilla 24. toukokuuta 2010. Neljäs sokkeli seisoi tyhjänä vuodesta 1841 vuoteen 1999, jolloin ensimmäinen käynnissä olevasta nykytaidesarjasta, jonka Neljäs sokkelin käyttöönottoryhmä.
Teoksen ennen "Nelsonin laiva pullossa" oli Antony Gormleyn One & Other, jossa eri henkilö seisoi sokkelilla tunnin, ympäri vuorokauden, 100 päivän ajan.
Vuosina 2005–2007 voit nähdä veistoksen Marc Quinnilta, Alison Lapper Raskaana, ja marraskuusta 2007 lähtien se oli Thomas Schutten malli hotellille 2007.
"Nelson's Ship in a Bottle" -purjeiden batikkikuviot taiteilija piirsi kankaalle käsin, innoittamana Afrikan kankaasta ja sen historiasta. Pullo on 5x2,8 metriä, valmistettu perspexistä, ei lasista, ja pullon aukko on riittävän suuri kiipeämään sisään rakentamaan laiva.
Muoto
mlaapachicagoViitteesi
Boddy-Evans, Marion. "54 kuuluisaa taiteilijoiden tekemää kuuluisaa maalausta." ThoughtCo, maaliskuu 18, 2021, thinkco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829.Boddy-Evans, Marion. (2021, 18. maaliskuuta). 54 Kuuluisien taiteilijoiden tekemiä kuuluisia maalauksia. Haettu osoitteesta https://www.thoughtco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829Boddy-Evans, Marion. "54 kuuluisaa taiteilijoiden tekemää kuuluisaa maalausta." ThoughtCo. https://www.thoughtco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829 (käytetty 29. maaliskuuta 2021).
ThoughtCo käyttää evästeitä tarjotakseen sinulle hyvän käyttökokemuksen. Käyttämällä ThoughtCoa hyväksyt meidän